Improvisationskomödie war die magische Zutat am Anchorman-Set

In den frühen 2000er Jahren, als hochkarätige Blockbuster-Comedyfilme mit großem Budget noch eine Sache waren, tauchten Will Ferrell, Ben Stiller, Vince Vaughn und mindestens ein Wilson-Bruder in den Filmen des jeweils anderen auf, die fast immer von Judd Apatow produziert wurden . Sie alle spielen in Anchorman: The Legend of Ron Burgundy, dem Höhepunkt dieser sogenannten „Frat Pack“-Ära, eine herausragende Rolle. Er kam im Sommer 2004 nach anderen Hits wie „Old School“ und „Dodgeball“ in die Kinos.

Wie andere Frat Pack-Einträge handelte es sich bei „Anchorman“ um ein urkomisch unreifes Mann-Kind, das widerstrebend durch die Gewalt einer Situation erwachsen wird. Aber Anchorman war auch etwas anderes und größer als seine Vorgänger. Es spielt im San Diego (was laut Ferrells Titelfigur auf Deutsch „die Vagina eines Wals“ bedeutet) in den 1970er Jahren und ist ein historischer Artikel über das Nachrichtenteam von Channel 4, eine Truppe reueloser Frauenfeinde, deren Welt durch die Ankunft der Ehrgeizigen erschüttert wird und die erfahrene „Moderatorin“ Veronica Corningstone (Christina Applegate), die sich nicht gefallen lässt und keine Angst davor hat, eine Schreibmaschine zu werfen oder einen Teleprompter zu sabotieren (wenn es sein muss).

„Anchorman“ beschäftigte sich mit Amerikas hässlicher sexistischer Geschichte und hatte viel über giftiges Patriarchat und Arbeitsplatzpolitik zu sagen, aber es war auch vollgepackt mit Witzen und einprägsamen Zeilen, von denen etwa 98 Prozent von der ursprünglichen Zielgruppe der Kumpels wiederholt wurden jeweils mehr als eine Milliarde Mal. (Hey. Es ist Wissenschaft.) Entworfen, geschrieben und umgesetzt von den ehemaligen Saturday Night Live-Partnern Ferrell und Adam McKay (der auch Regie führte), stellte „Anchorman“ einen Wendepunkt für beide Kreative dar und ermöglichte es dem Erstgenannten, so groß und breit zu werden, wie er es wollte. Es brannte eindeutig darauf, dass McKay seiner Arbeit brodelnde, satirische Wut einflößte, ein Stil, den er in „The Big Short“, „Vice“ und „Don't Look Up“ vollständig ausloten würde.

Es ist fast 20 Jahre her, dass „Anchorman“ in den Kanon der amerikanischen Comedy-Klassiker aufgenommen wurde, also ist es höchste Zeit für eine kritische Würdigung in Ledereinbandlänge und eine ausführliche Darstellung, wie alles passiert ist. Saul Austerlitz, Professor für Comedy-Geschichte und Autor des maßgeblichen popakademischen Buches über die Sitcom „Friends“, hat die Recherchen, Interviews und investigativen Berichte durchgeführt, um „Kind of a Big Deal: How Anchorman Stayed Classy and Became the Most Iconic Comedy of the“ zu verfassen Einundzwanzigstes Jahrhundert. Es ist offensichtlich, dass „Anchorman“ sowohl ein schwieriger als auch einfacher Film zu drehen war, da sich bei einem entspannten Set, in dem Improvisation und die Zusammenarbeit zwischen den Darstellern nicht nur gefördert, sondern erforderlich waren, oft die Einmischung des Studios abzeichnete. Einige der besten Teile von „Anchorman“ entstanden aus diesem Comedy-Lab-Ansatz, der gut mit der umfassenden Liebe des Teams zum Detail harmonierte. Hier ist ein Auszug aus „Kind of a Big Deal“, „Letting the Squirrel Out of the Bag“.

Ein Auszug aus „Kind of a Big Deal: Wie Anchorman stilvoll blieb und zur kultigsten Komödie des 21. Jahrhunderts wurde“

An den meisten Filmsets war es eine unausgesprochene Sitte, niemals eine Meinung zur Leistung eines anderen Schauspielers abzugeben. Die Arbeit der Schauspieler war teuflisch schwierig und erforderte, dass sie sich auf eine Weise zur Schau stellten, die Nichtdarsteller nur aus ihren schweißgetränkten Albträumen nachempfinden konnten, und die Mühe, die selbst in die mittelmäßigste Darbietung gesteckt wurde, musste von ihren Mitwirkenden respektiert werden. Aber die Schauspieler von „Anchorman“ waren größtenteils in der Hitze des Sketches und der Improvisation entstanden, wo die Darsteller regelmäßig die Arbeit anderer übertrafen, vervollständigten oder ergänzten, und dieser Geist übertrug sich auf das Set dieses Spielfilms.

Dies begann in McKays Beziehung zu den Darstellern. Er war nicht nur anwesend, um Hector zu beaufsichtigen oder zu betreuen, sondern auch, um ein Graduiertenseminar über das Schaffen von Komödien zu leiten. Jede Zeile konnte verbessert oder lustiger oder seltsamer gestaltet werden, und jeder wurde ermutigt, einen Beitrag zu leisten. Dieser Geist kreativer Großzügigkeit erfasste auch alle Darsteller, die sich die Freiheit zunutze machten, den Film Zeile für Zeile neu zu interpretieren. Zu Beginn der Dreharbeiten war das Drehbuch bereits durchgelesen, umgeschrieben und verprügelt worden, und McKay und Ferrell waren zuversichtlich, dass die Witze solide waren. Selbst wenn sie nur das Drehbuch genau so verfilmen würden, wie es geschrieben wurde, wären sie in guter Verfassung. Aber sie hofften auf mehr.

McKay etablierte am Set schnell eine Routine. Die Schauspieler drehten zwei oder drei Takes einer bestimmten Szene und hielten sich dabei genau an das Drehbuch. Sobald McKay sicher war, dass sie die Essenz einer Szene wie im Drehbuch eingefangen hatten, erhob er seine Stimme und rief der Besetzung und dem Team zu: „Lasst uns das Eichhörnchen aus dem Sack lassen.“ Koechner verstand, dass McKay erklärte: „Sag alles, was du willst, und schau, ob es hängenbleibt.“ McKay öffnete das Wort für Beiträge von sich selbst, Ferrell, Apatow, den Schauspielern oder jedem anderen, der eine Ahnung davon hatte, wie man eine Sequenz verbessern, verdrehen, anpassen oder neu ausrichten könnte. Sie nannten diese Takes „Alts“. McKay verfügt über eine von Natur aus laute Stimme und benötigte weder ein Megaphon noch ein „Stimme Gottes“-Mikrofon, das an Lautsprecher rund um das Set angeschlossen ist. Er konnte einfach schreien und sich Gehör verschaffen, während er hinter der Kamera stand oder neben einem Monitor im Videodorfzelt saß, was vielleicht zu der ungezwungenen, alles ausprobierenden Stimmung beitrug. Ferrell hatte bereits am Abend vor dem Dreh einer Szene seine Hausaufgaben gemacht und das Drehbuch noch einmal durchgelesen, um sich an weitere Zeilen zu erinnern, die er am nächsten Tag vielleicht ausprobieren würde. Und die Notizen des Drehbuch-Supervisors würden es ihm auch ermöglichen, eine Referenz in der Nähe zu haben, die ihn daran erinnerte, was er und die Besetzung zuvor während der Proben versucht hatten.

Alts waren ein Spiel, und Darsteller, die eine Ausbildung in Improvisationskomödie hatten und wussten, wie man eine Szene liest und sich mit ihrem Potenzial auseinandersetzt, waren deutlich im Vorteil. Die ersten paar Einstellungen dienten dem Drehbuch, und selbst dieser Open-Mic-Stil musste den Grundriss der Geschichte bewahren. Eine Zeile könnte urkomisch sein, aber wenn sie im Widerspruch zum Rest des Textes stünde, wäre sie unbrauchbar. Man musste in der Lage sein, die Stimmung einer Zeile zu erkennen und sie durch eine andere Idee zu ersetzen, die den Witz erweiterte, verstärkte oder verdrehte. Einige Darsteller, wie Fred Willard, der intensiv mit Christopher Guest an Filmen wie „Warten auf Guffman“ zusammengearbeitet hatte, waren es gewohnt, kaum mehr als einen Überblick und eine Zusammenfassung der in einer Szene enthaltenen Informationen zu erhalten. Andere, wie Applegate, waren eher mit Komödien vertraut, die ausschließlich aus Drehbüchern bestanden. McKays Stil kombinierte geskriptete und nicht geskriptete Ansätze und verlangte von seinen Darstellern die Kombination verschiedener Fähigkeiten.

Die Ursprünge des Satzes „Das Eichhörnchen aus dem Sack lassen“ sind verloren, könnten aber etwas mit einer Szene zu Beginn des Films zu tun haben. Das Nachrichtenteam versammelt sich am Morgen nach einer epischen Schlägerei im Konferenzraum. Champ, die Krawatte geöffnet, den Hut auf dem Kopf zurückgeschoben, ein Stück blutiges Toilettenpapier im Gesicht, sagt: „Ich bin heute Morgen im Aufenthaltsraum einer japanischen Familie aufgewacht, und sie haben nicht aufgehört zu schreien.“ Das stieß auf positive Resonanz, doch dann entwickelte Koechner einen ganz anderen Satz (der für den DVD-Unrated-Schnitt des Films verwendet werden sollte): „Ich bin heute Morgen aufgewacht und habe ein Eichhörnchen geschissen. Ich meine es. Buchstäblich. Das Verdammte ist, das verdammte Ding lebt noch. Also habe ich dieses mit Scheiße bedeckte Eichhörnchen da unten im Büro. Ich weiß nicht, wie ich es nennen soll.“ (In einer anderen Einstellung sagte Champ, seine Nacht habe aus sechs Flaschen Weißwein, dem Pissen in die Hose und dem Erschießen streunender Hunde in Mexiko bestanden.) Koechner hatte geplant, seinen Lauf fortzusetzen und darüber zu sprechen, dass er nicht sicher sei, ob das Eichhörnchen sei Der Film war scheiße drauf oder nicht, wurde aber von dem angenehmen Geräusch unterbrochen, als seine Kameraden in Gelächter ausbrachen und die Einstellung ruinierten.

Um wirklich brillant darin zu sein, das Eichhörnchen aus dem Sack zu lassen, war es hilfreich, der Arbeit anderer aufmerksam zuzuhören. Alts erforderten heldenhafte Reserven an improvisatorischer Kreativität, die leicht eine narzisstische Aufmerksamkeit für die eigenen Zeilen und nicht für die anderer hervorrufen konnten, aber das Spiel funktionierte am besten, wenn die Schauspieler von den Läufen der anderen abprallten. Nachdem Koechner beschrieben hatte, wie er ein Eichhörnchen geschissen hatte, trat Steve Carell vor und demonstrierte, wie sorgfältig er auf Champs Morgen danach geachtet hatte, indem er sich durch die zerbrochene Öffnung von Brick Tamland beugte: „Es tut mir leid, Champ. Ich glaube, ich habe dein Schokoladen-Eichhörnchen gegessen.“ Koechner war tief beeindruckt, dass Carell so genau zugehört hatte und in der Lage war, seinen eigenen Ersatz für den Alt herzustellen. Eine ganze Nacht war Carells unendlichen Variationen dieser „Morning-After“-Sequenz gewidmet, einschließlich einer Alternative, die es in die Outtakes des Films schaffen sollte: „Ich habe eine ganze Menge Glasfaserisolierung gegessen. Es war keine Zuckerwatte, wie der Typ sagte. Mein Magen juckt.

Es wäre für McKay und Ferrell möglich gewesen, den Eichhörnchen-Witz zu schreiben, wenn sie genügend Stunden, genügend Koffein und genügend Inspirationsschübe gehabt hätten. Aber manchmal entsteht das beste Material, wenn man sein hochentwickeltes Drehbuch an andere weitergibt. McKay sagte den Schauspielern, dass nichts mit dem Gefühl vergleichbar sei, an dem Tag, an dem man eine Szene drehen sollte, inmitten der Kulissen und Kostüme aufzutauchen und die Gedanken schweifen zu lassen. Der Film begann schließlich mit einer aus Altsongs gestrickten Sequenz, in der Ron sich vor einer Sendung mit einer Reihe lächerlicher Stimmübungen aufwärmte, darunter „Der Brandstifter hatte seltsam geformte Füße“ und „Der menschlichen Fackel wurde ein Bankkredit verweigert“ (was erhielt den größten Lacher am Set). Ron scherzt auch mit Figuren aus dem Off, versucht den Namen einer Person herauszufinden (ist es Lanolin?) und stochert in seinen Zähnen, während er der zweifellos faszinierten Crew mitteilt, dass er an diesem Tag Rippchen zum Mittagessen gegessen hat.

Auch die Eröffnung betonte die betrunkene, heruntergekommene Atmosphäre von News Channel 4, wobei Ron sich auf die abendliche Sendung vorbereitete, indem er sich streckte, um ein Glas Scotch auszutrinken, und dann seine Begeisterung mit anderen teilte: „Ich liebe Scotch. Ich liebe Scotch. Scotchy-Scotch-Scotch. Hier geht es bergab. Hinunter in meinen Bauch.“ Rons Stimme nimmt eine singende Qualität an, als wäre dies der Titelsong seiner Existenz oder der Treibstoff, der ihn durch die abendlichen Nachrichten treibt.

McKay schuf eine Atmosphäre, die so vielen konventionellen Vorstellungen des Filmsets widersprach. Schauspieler herumspielen zu lassen, während die Kameras liefen, galt im Allgemeinen als die buchstäbliche Verkörperung der Geldverbrennung. Jeder Meter Film, jede Minute der Zeit der Crewmitglieder kostete Geld, und die Öffnung des Bodens, damit andere am Filmset herumspielen konnten, war ein Rezept für völliges Chaos.

Bei manchen Szenen gab es eine Überfülle an möglichen Textzeilen, aus denen man auswählen konnte, während andere nicht genug auf der Seite hatten, um zum Leben zu erwachen. Während der Dreharbeiten zur „Afternoon Delight“-Sequenz, in der Ron seine Kollegen über die Bedeutung der Liebe aufklärt, indem er eine Barbershop-Quartettversion des Starland Vocal Band-Hits leitet, ging McKay auf Carell zu und sagte ihm: „Wir sollten mehr Zeilen für Sie haben.“ aber wir haben keine auf der Seite.“ McKay forderte ihn auf, trotzdem einzuspringen: „Sag einfach etwas.“

McKay verstand Brick als den Harpo Marx dieses Ensembles. Brick war weniger den Gesetzen der Physik oder den Anforderungen des Realismus unterworfen als seine Mitcharaktere. Er konnte ohne Vorwarnung Szenen kommentieren oder die vierte Wand durchbrechen. McKay betrachtete es als eine magische Kraft, die Carell verliehen wurde, die jedoch sparsam eingesetzt werden musste, aus Angst, die Wirkung zu zerstören. Nachdem Ron über Veronica poetisch geworden ist, fragt Champ zögernd: „Wie ist es, Ron?“ Ron versteht seine Frage zunächst so, dass es um Sex geht: „Die intimen Zeiten? Außer Sichtweite, mein Mann!“ Aber Brian hat eine kompliziertere und beschämendere Frage im Kopf: „Nein. Die andere Sache. Liebe." Liebe kommt kaum als Flüstern heraus, und Brian schließt die Tür, bevor er überhaupt das Wort sagt.

Nach Brians kurzer Hommage an den Brasilianer – oder Chinesen? – Frau, mit der er in einem Kmart rumgemacht hat, springt Brick mit seiner eigenen Interpretation von Liebe ein, während seine Augen den Raum absuchen: „Ich liebe Teppiche.“ Ron nickt aufmunternd und Brick fährt fort: „Ich liebe den Schreibtisch.“ Ron – und Ferrell – verstehen, was Brick hier macht und rufen ihn sanft an: „Brick, schaust du dir nur die Dinge im Büro an und sagst, dass du sie liebst?“ Carells Darbietung hier ist eine Meisterklasse in Intonation und Rhythmus. Er steht kerzengerade in seinem dreiteiligen braunen Anzug, seine Augen huschen zur Seite, bevor er nach vorne blickt, und seine Stimme senkt sich zu einem heiseren Flüstern: „Ich liebe Lampen.“ Als Ron erneut fragt, ob er die Lampe wirklich liebt, wiederholt Brick seinen Satz, diesmal jedoch mit einem Anflug von Traurigkeit, als wäre die Lampe derjenige, der entkommen ist. Es war pure Brillanz und nur der Improvisationsprozess hätte den Moment schaffen können.

Die wichtigsten Eigenschaften, die man brauchte, um improvisatorische Blitze in einer Flasche einzufangen, waren Geduld und die Fähigkeit, sich geistig neu zu erfinden. Für die Sequenz, in der Ron und Veronica in einem Auto sitzen und auf die Lichter der Stadt blicken (gedreht an einem Aussichtspunkt in der Nähe der Innenstadt von San Pedro), probierte Ferrell eine erstaunliche Vielfalt unterschiedlicher Linien aus, um San Diego zu beschreiben. Das Team drehte weiter und blätterte in vier oder fünf Filmmagazinen, während er Alternativen ausprobierte – fast eine Stunde hektischer Improvisation nach dem Motto „San Diego, was auf Deutsch natürlich ‚goldene Pfannkuchen‘ bedeutet.“ Das Kamerateam bekam Während die Dreharbeiten immer weitergingen, wurde es in der frischen Abendluft immer kälter. Bei jeder Variation musste Applegate reagieren, als wäre es das erste Mal, dass sie die Augen zusammenkniff oder die Lippen schürzte und ihre Unsicherheit über Rons urbanes Wissen registrierte.

McKay mischte sich gelegentlich mit Vorschlägen ein, überließ Ferrell jedoch größtenteils seine eigene Führung und testete verschiedene Herangehensweisen an den Moment, bevor er sich für die Version entschied, die im Drehbuch stand: „Ich liebe diese Stadt. Es ist eine Tatsache. Es ist die größte Stadt in der Geschichte der Menschheit. 1904 von den Deutschen entdeckt. Sie nannten es San Diaago, was auf Deutsch natürlich „Vagina eines Wals“ bedeutet.“

McKay und Ferrell probierten auch eine Reihe von Optionen für den Satz aus, den Ron vor der Kamera vortragen würde und der seine treuen Fans in einer späteren Szene vertreiben würde. Der letzte Film hielt es einfach: Der vom Teleprompter abhängige Ron sagte am Ende einer Sendung versehentlich zu seinem Publikum: „Fick dich selbst, San Diego.“ Veronica sitzt neben Ron und ist schockiert darüber, dass ihr Trick, den Teleprompter zu reparieren, tatsächlich funktioniert hat. „Ron, ich muss dich feuern“, sagt ein aschfahler Ed zu ihm und Ron antwortet spielerisch: „Nun, ich muss dich feuern.“ Bing-bom-bom.“ Ron richtet seine Pistole auf seinen Chef und geht kichernd über Eds Witz davon. Erst als Ron eine Videowiedergabe der Sendung gezeigt wird, erbleicht er und seine Augen treten vor Schreck hervor: „Großer Odin-Rabe!“ Für diesen Moment wurden zahlreiche Alternativen angeboten, wobei McKay besonders eine Vorliebe für eine schmutzigere Version hatte: „Schieb dir einen riesigen, violetten, geäderten Schwanz in den Arsch, San Diego.“

Der alternative Stil stellte eine besondere Herausforderung für das Kamerateam dar, das einen Weg finden musste, die Kamera den Darstellern folgen zu lassen, ohne genau zu wissen, was sie in einer bestimmten Sequenz tun würden. Normalerweise dauert eine Szene höchstens 45 Sekunden und gibt den Besatzungsmitgliedern Gelegenheit, sich anzupassen, aber hier kann die Kamera auch minutenlang laufen. Der Kameramann Harry Garvin hatte über dem Drehbuch gebrütet, war aber nach den ersten paar Einstellungen auf der falschen Spur. Garvin begann, die Tics jedes Darstellers zu studieren, um zu verstehen, was er tun könnte. Er bemerkte, dass Ferrell viele Szenen mit dem Glas Scotch untermalte, das er oft in der Hand hielt. Er könnte es an seine Lippen führen, seinen Vers sagen und es dann trinken oder es einfach nahe an seinen Mund führen. Applegate neigte oder drehte ihren Kopf jedes Mal auf eine bestimmte Weise, wenn sie einem von Rons Monologen zuhörte.

An einem Freitagnachmittag drehten Ferrell, Koechner, Rudd und Carell eine Szene in der Cafeteria des Nachrichtensenders (die gleiche Szene, mit der Carell vorgesprochen hatte) und planten ihren jüngsten Angriff auf Veronica, den Champ grausam mit ihrer früheren Kampagne gegen „dieses Hinken“ verglich ‐handgelenkte Fee, die die Finanzberichte erstellen sollte.“ Ron stimmt zu, dass sie „Corningstone den Krieg erklären werden“, wird aber von Bricks Falafel-Hot-Dog-Zimt-Mittagessen abgelenkt. Das Nachrichtenteam bricht über Bricks entsetzliches Essen in übertriebenes Gelächter aus, während Carell begeistert isst und seine Zähne mit einer dicken Prise Kaffeesatz bestäubt sind. Die anderen Schauspieler hatten Mühe, sich zusammenzuhalten, während Brick ahnungslos kaute.

Ohne ausdrücklich einen Wettbewerb anzukündigen, versuchten die Darsteller von Anchorman, sich gegenseitig zu unterhalten, und Carell war übernatürlich begabt darin, bei seinen Co-Stars und der Crew hilfloses Gelächter auszulösen. Carell betrachtete sich selbst als Zuschauer bei „Anchorman“, was seiner Ansicht nach mit seiner Rolle übereinstimmte. Brick hielt sich größtenteils im Hintergrund, mit weniger Zeilen als seine Landsleute, und doch wollte Carell vor allem Bricks Wunsch zum Ausdruck bringen, Teil dieses dysfunktionalen, aber liebevollen Teams zu sein.

David Koechner hatte als Allzweckaccessoire einen beigen Cowboyhut mit schräger Krempe und ausgestellten Seiten geschenkt bekommen. Kostümdesignerin Debra McGuire sah in Champ den Cowboy der Geschichte – grob, ausgelassen und kraftvoll – und wollte ihm eine Kopfbedeckung zuordnen, die zur Figur passte. Das Problem mit dem Hut war, dass er etwas zu groß war. Dies war ein Fehler und auch eine von der Jury manipulierte Lösung des Problems von Steve Carell, die es Koechner ermöglichte, den Kopf zu senken und sein Gesicht teilweise zu bedecken, als Carell ihn zum Lachen brachte. (Es war so schwer, in Gegenwart dieser Künstler nicht zu lachen, dass Koechner manchmal gezwungen war, an die Schwierigkeiten zu denken, die seine Kinder ertragen mussten, um nicht zusammenzubrechen.)

Eine der frühesten Filmsequenzen, die Partysequenz, in der Ron Veronica zum ersten Mal sieht, war ein Nachtdreh vor Ort im Viertel View Park und eine Gelegenheit, den Ton für das Team – und den gesamten Film – anzugeben. Der Schauplatz war ein Haus, das ein echtes Überbleibsel aus den 1970er-Jahren war, komplett mit flauschigen Teppichen und Kugellichtern entlang der Straße. (Ein anderes Haus, das von Location Manager Jeremy Alter erkundet wurde, gehörte Ray Charles und verfügte über einen klavierförmigen Pool.) „Befinden wir uns in einer Zeitschleife oder so?“ fragte sich Kameramann Linda Gacsko, als sie zum ersten Mal einen Blick auf den Ort erhaschte.

Die Hausparty ist die erste Gelegenheit für das Nachrichtenteam von Channel 4, sich vorzustellen. Brian, in einer zerknitterten braunen Lederjacke, hält eine Waffe in der Hand und raucht eine Zigarette, den Arm um eine sinnliche Blondine (Darcy Donavan) gelegt, während er seine Kosenamen für seine Genitalien verrät: „Ich weiß, was Sie sich fragen. Die Antwort ist ja. Ich habe einen Spitznamen für meinen Penis. Es heißt Oktagon. Aber ich habe meinen Hoden auch einen Spitznamen gegeben. Mein Linker ist James Westphal und mein Rechter ist Dr. Kenneth Noisewater. Wenn Sie, meine Damen, Ihre Karten richtig ausspielen, treffen Sie vielleicht die ganze Bande.“ (Als Ersatz für diese Szene teilt Brian mit, dass er mit 43 Mädels auf der ersten Basis war und mit vier glücklichen Damen die Heimatbasis erreicht hat. Rudd dachte, dass er trotz aller expliziten Worte von Brian tatsächlich Jungfrau sein könnte. )

Champ blickt in die Kamera und informiert die Beobachter: „Mir geht es vor allem darum, Spaß zu haben. Weißt du, gib mir ein paar Cocktails, entzünde in der Küche von jemandem ein Feuer. Vielleicht gehe ich zu SeaWorld und zieh mir die Hose aus.“ (In einer Zwischensequenz steht Champ auf dem Dach und ruft den versammelten Nachtschwärmern „Orgie!“ zu. Als er mit Totenstille begrüßt wird, entschuldigt er sich dafür, dass er die Stimmung falsch verstanden hat.) Brick taucht auf und löffelt geduldig Mayonnaise in einen Toaster. „Die Leute scheinen mich zu mögen, weil ich höflich bin und selten zu spät komme. Ich esse gerne Eis und genieße ein Paar schöne Hosen wirklich.“

Kameramann Tom Ackerman wollte Applegate für ihren ersten Auftritt im Film ein wenig Hollywood-Glamour im Stil der 1930er Jahre verleihen. Ackerman ließ Applegate sanft ins Rampenlicht rücken, was Veronica einen schwachen Schimmer verlieh. Und als Ron sich Veronica zum ersten Mal nähert und Applegate in Nahaufnahme zu sehen ist, soll die Aufnahme blenden. Ron sagt zu Veronica: „Du hast einen absolut atemberaubenden Hintern. Ich meine, das Ding ist gut. Ich möchte damit befreundet sein.“ Der beiläufig sexuelle und sexistische Tonfall hatte sich wenige Augenblicke zuvor etabliert, als Ron von Brian seiner blonden Freundin vorgestellt wurde, die ihre große Brust betastete und in seine Richtung schnurrte: „Ich habe eine große Geschichte für dich, und sie ist richtig.“ Hier." Ron, der nie jemand war, der die Worte nicht laut aussprach, antwortete: „Du hast auf deine Brüste gezeigt.“ Rons Bereitschaft, diese sichere Sache abzulehnen, um Veronica zu verfolgen, spricht für seinen romantischen Geist oder seinen Egoismus.

Ron hält ein festliches Getränk mit einem übergroßen Orangenschnitz und einem kleinen grünen Regenschirm in der Mitte in der Hand. Seine üppige Brustbehaarung ist durch sein offenes orangefarbenes Gewand sichtbar, ein ironischer Kontrapunkt zu seiner Absichtserklärung: „Ich weiß es nicht wie soll ich das ausdrücken, aber ich bin irgendwie eine große Sache.“ Ron lacht fast darüber, dass er das überaus Offensichtliche erwähnen muss. „Ich bin sehr wichtig. Ich habe viele in Leder gebundene Bücher und in meiner Wohnung riecht es nach sattem Mahagoni.“ Veronicas Pause zeigt, dass sie genau weiß, wer Ron ist, auch wenn sie behauptet, es nicht zu wissen.

Ron merkt sofort, dass er über sein Ziel hinausschießt und fragt Veronica, ob er es noch einmal mit ihr versuchen kann. "Ich möchte etwas sagen. Möchte es dort veröffentlichen. Und wenn es dir gefällt, kannst du es nehmen. Wenn nicht, schicken Sie es sofort zurück.“ Er macht eine Pause, bevor er fortfährt. „Ich möchte auf dir sein.“ Als Veronica sich abwendet, wiederholt Ron halbherzig seine Worte und nimmt dann einen düsteren Schluck von seinem fruchtigen Getränk. Die Aufnahme dauerte so lange, dass man bei der letzten Aufnahme des Abends, einer Doppelaufnahme von Veronica und Ron, gerade noch den aufhellenden Himmel hinter den Bäumen am Bildrand erkennen konnte.

Als die Dreharbeiten am Ende der ersten Woche unterbrochen wurden, gingen Koechner, Rudd und Carell nach Hause und führten identische Gespräche mit ihren Ehepartnern. Der neue Film, an dem sie arbeiteten, erzählten sie ihren Frauen, sei ein Traum, ein urkomisches Drehbuch mit einem kreativen Regisseur. Und die Künstler um sie herum waren jeweils auf dem Höhepunkt ihres Könnens. Wie könnten sie überhaupt mithalten, wenn sie von solch einer vornehmen Gesellschaft umgeben sind? Jeder war besser als er selbst – lustiger, schärfer, klüger.

Die Schauspieler teilten sich einen Wohnwagen mit drei Zimmern, und als die Dreharbeiten am Montagmorgen wieder begannen, stellten sie fest, dass jeder das Wochenende in der gleichen Unzufriedenheit verbracht hatte. Es war eine Erleichterung zu entdecken, dass niemand – außer vielleicht dem übernatürlich selbstbeherrschten Will Ferrell – immun gegen die Angst war, ein außergewöhnlich begabtes Ensemble im Stich zu lassen.

Die Schauspieler wussten, dass am Set etwas Besonderes passierte, das von McKay ermöglicht wurde, und wollten nichts tun, was es verderben könnte. Für Koechner war es das komödiantische Äquivalent eines Baseball-Meilensteins. Wenn ein Pitcher einen No-Hitter warf, scheuten seine Teamkollegen absichtlich vor ihm zurück und wollten nichts sagen oder tun, was den Moment verderben könnte. Die Schauspieler versammelten sich morgens in ihrem gemeinsamen Wohnwagen, bis sie zum Set gerufen wurden. Sie verbrachten einen Großteil ihrer Zeit damit, sich gegenseitig zu belästigen, wobei Rudd besonders dazu neigte, sich die Hose herunterzuziehen.

Die Schauspieler ließen sich höchstens harmlose Kommentare wie „Das fühlt sich ziemlich gut an, oder?“ erlauben. Niemand wollte die Aufmerksamkeit auf das Geschehen lenken. Aber Carell, Rudd und die anderen Schauspieler versammelten sich zur Mittagszeit mit der Crew, um sich die Tagessendungen anzuschauen, und trugen als postprandialen Leckerbissen haufenweise Hot-Fudge-Eisbecher mit, während sie sich das Geschehen vom Vortag ansahen. Tägliche Einsätze waren für die Besatzungsmitglieder normalerweise eine lästige Pflicht, aber das war deutlich anders. Die Schauspieler hatten vor lautem Lachen Tränen in den Augen. Das Einzige, worüber sich Carell Sorgen machte, war, von den vielen Eisbechern fett zu werden.

Aus „Kind of a Big Deal: How Anchorman Stayed Classy and Became the Most Iconic Comedy of the Twenty-First Century“ von Saul Austerlitz, erscheint am 22. August 2023 bei Dutton, einem Abdruck der Penguin Publishing Group, einem Geschäftsbereich von Penguin Random House, LLC. Urheberrecht © 2023 Saul Austerlitz.